《再見狗日子》（DOG DAYS ARE OVER 2.0）為比利時編舞家楊．馬騰斯（Jan Martens）的成名代表作，自 2014 年首演以來，於全球巡演超過百場，並曾獲選為比利時當年最重要的演出之一。十年之後，2025 年，他帶著重製版本及全新舞者陣容，不僅展現作品的延續性，更透過新世代表演者的身體經驗，重新詮釋「觀看與被觀看」、「表演與錯誤」的主題張力。

訪問之中楊．馬騰斯說，「當初創作的時候，正好是實境秀爆炸的年代，很多節目會把人送去荒島斷水斷糧，看他們怎麼生存。我覺得觀眾坐在沙發上看那些畫面，內心其實會感到一種說不上來的快感。這讓我想到羅馬競技場時代，大家聚在那邊看角鬥士打到你死我活。」

楊．馬騰斯（Jan Martens）©Laetitia Bica

「挑戰，本身就是一種令人上癮的東西。」當中的前舞者也表示，沒錯，這作品確實艱苦、強悍、邊緣，但它的目的不是展現痛苦。透過挑戰，藝術家們獻出美好的事物，也從中獲得美好回報。以下是我們與編舞家的深度訪談：

 

HR：楊．馬騰斯你好，首先我們想問《再見狗日子》是十年前的作品，為什麼會想在十年後再次演繹它？
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「有很多原因。首先，《再見狗日子》這部作品對我來說意義非凡。因為它的強度，還有那種執著的狀態 —— 我很喜歡那種可以全心投入的感覺，這次就是完全沈浸在數數（counts）和挑戰裡。」

「創作過程對我來說非常美好，因為一開始我們也不確定到底能跳到什麼程度。這是一個集體努力的結果。現在能在排練室裡，跟一批全新不同的舞者再次經歷這一切，我覺得很開心。這也是我再重新演繹這部作品的另一個原因，與新的舞者一起經歷這種過程。」

「《再見狗日子》十年前演出時相當成功，我們後來也為不同學校做了很多版本。我一直都能感受到，這部作品對舞者來說其實很有解放性 —— 它真的很有挑戰性，而且會讓你重新認識自己的身體，明白自己能做到許多想像不到的事。」

「當然，《再見狗日子》算是我第一部真正打開國際舞台的作品。之後我很幸運，事業不斷發展，但仍有許多觀眾沒看過，像台北，我真的很為這部作品感到驕傲，也很開心能分享給更多人。」

HR：你覺得什麼樣的特質，讓《再見狗日子》在十年後依舊具有影響力？
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「對我來說，《再見狗日子》有種標誌性（iconic）的特質，這是我覺得它能被重複演繹的原因之一。」

「如果你去看其他所謂的經典作品，像是 Pina Bausch 的《春之祭》還是 Lucinda Childs 早期的作品，它們通常會帶給觀眾一種很強烈的體驗。我覺得《再見狗日子》也有這樣的力量，這也是我想傳遞給觀眾的一個訊息。」

Photo by ©Stefanie Nash

HR：你曾說《再見狗日子》是從攝影師 Philippe Halsman 的一句話開始：「跳躍讓面具掉落，讓真實顯現。」可否跟我們聊聊這部分？
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「Philippe Halsman 是知名攝影師，曾幫《LIFE》雜誌拍過很多名人跳起來的照片。他說，如果你要名人擺 pose，他們都知道要如何拍起來好看，但如果你要他們跳起來，他們得專心在跳這件事本身，而不是表情控管。」

「這點我覺得很有趣，想看看對舞者來說會如何。因為他們也是被訓練成『要看起來很輕鬆』，你得讓一切看起來毫不費力。所以我就用『跳』這動作來提出問題：是否能透過這種極度專注和身體挑戰來看見舞者真實的一面？」

「整個過程不只是身體的挑戰，也是心理的。你會看到每位舞者的轉變：有人開始臉紅、有人體力開始耗盡、有人表情極度專注，我覺得那就是『真實』展現的地方。」

「很多時候在劇場或舞台上，表演者會精準控制要給觀眾看到什麼，但在《再見狗日子》裡，這個層面被拿掉了，這也是我覺得這部作品美的地方。」

 

HR：《再見狗日子》幾乎沒有配樂，聲音是來自舞者身體與地板的碰撞，這「聲音構成」是否會帶來特別不一樣的體驗和效果？
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「我覺得這體驗非常特別，當初首演時就有這種感覺 —— 觀眾會在座位上不自覺地跟著舞者一起晃動，因為跳躍的節奏太強烈，觀眾也會直接用身體給予反饋。」

「甚至連舞者自己都得把節奏唱出來，好記住複雜的計數，這樣的身體記憶也會傳達給觀眾。雖然這支作品裡真正有背景音樂的部分不到三分鐘，但觀眾還是會被整體的節奏與律動所感染。」

Photo by ©Studio Rios Zertuche

HR：在精準與一致性的高壓狀態下，錯誤似乎是不可避免的。你如何看待舞台上出現「失誤」這件事？
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「對我來說，失誤不是壞事。其實我有點故意讓失誤有可能發生，因為失誤也是展露真實的一面。雖然我不會因為誰跳錯而生氣，但舞者們內心還是會在意、不想出錯，這也是表演者的自尊所在。

「錯誤是必然的，因為舞者得維持極高的專注度，一旦出錯就會很明顯，特別是《再見狗日子》有大量的同步跳躍。」

「《再見狗日子》也是在講一種『抵抗』，但不是外在的抗爭，而是透過身體去測試極限、撐過困難，去證明人的潛能比自己想像的更大。」

「同時，這也是一場關於『共患難』的演出，觀眾支持舞者，舞者也互相支持，一起度過這個有時殘酷、有時煎熬的過程。所以我覺得，這裡面有抵抗、有團結，當然觀眾感受到的情緒也會很不一樣、甚至有衝突，但這就是它的魅力。」

Photo by ©Stefanie Nash

HR：對你來說，舞臺上「不斷地跳躍」以及「展露其真實」想傳達的意思是？
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「我記得《再見狗日子》第一次巡演時，有時觀眾會笑得很開心，因為作品裡其實有一些幽默的片段；但同一場演出，也會有人完全不笑，只覺得這是一部很殘酷的作品。」

「這種反差本身就很有意思，也連結到我想探討的主題之一：為什麼我們有時候會從別人的痛苦中得到某種滿足感？」

「《再見狗日子》當初創作的時候，正好是實境秀爆炸的年代，很多節目會把人送去荒島斷水斷糧，看他們怎麼生存。我覺得觀眾坐在沙發上看那些畫面，內心其實會感到一種說不上來的快感。這讓我想到羅馬競技場時代，大家聚在那邊看角鬥士打到你死我活。」

「除了作品本身談的『共患難』、『相互扶持』外，我覺得《再見狗日子》還有一層，是不斷刺激觀眾內在的感受。你會一邊看，一邊想：

「『這是什麼？我覺得無聊嗎？還是有趣？殘忍？我為什麼會覺得好看？』我們怎麼觀看，是作品很核心的部分。」

「文宣裡也寫了一句話：『當代舞蹈是否只是為菁英準備的脫衣舞？』你看到那些流著汗的舞者，觀眾一方面被吸引，一方面也在享受他們的痛苦。我覺得這不只是這部作品的主題，也是當代社會很值得思考的問題。」

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HR：相較於《再見狗日子》的「從頭跳到尾」，你怎麼看待當前年輕世代的「躺平文化」（quiet quitting）？
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「我覺得這個現象既不合邏輯，卻又很合理。當你是中產階級甚至是更高階層的時候，會有一種『我不需要拼命』的感覺，一種沒人能動搖你的安全感；另一方面，我也覺得這是對『過勞』的某種抵制，所以我能理解。」

「但我也會提醒自己，要持續找到自己工作的價值與美好的地方。工作就像一段長期的感情關係，它需要經營。你得不斷找到新的方法，重新與之連結、重新看見它的意義。」

 

HR：你認為《再見狗日子》是樂觀還是悲觀的？
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「我會說是非常樂觀的。雖然我知道它可以有很多不同的解讀，但對我來說，《再見狗日子》最重要的主題是支持與團結，是一起完成一件事的力量。」

「觀眾會看到舞者之間那些微妙但很真實的互相扶持、彼此分擔。像有時候我們會在演出前就討論，有人今天狀況不好，或者剛好是生理期，可能沒辦法給出太多能量，那其他人就會主動補上。」

「這些東西是可以在作品裡被看見的 —— 是支持，是一種群體感。所以某種程度上，這部作品跟我另一部談抗爭的《任何搞分裂的企圖都將以粉身碎骨告終》是相通的，只是《再見狗日子》的形式可能更殘酷一些，但核心還是『一起承受、一起完成』。」

Photo by ©Stefanie Nash

HR：舞蹈是否像時尚一樣，是一種當代社會的投射？還是能獨善其身？
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「我不覺得藝術應該和政治有關，但說實話，即使我一開始不打算這樣做，在創作過程中，它還是會慢慢變得如此。像我去年幫 Carte Blanche 創作的一支作品，一開始我只是想專注於舞蹈的形式結構，但後來你會發現，舞台上那些美麗的個體慢慢浮現，群體力量也出來了。」

「所以，我也不太確定。因為我覺得編舞的本質，就是把人聚在一起，去創造一個大家都能認同的東西。從這個角度看，舞蹈領域，或者說排練場，可以說是一個很烏托邦的空間，雖然也是會發生濫權的情況啦。有時參與的舞者來自完全不一樣的國家、說不同的語言，但我們仍能一起合作。我覺得這就是社會的縮影 —— 我們可以尊重彼此的差異，試著一起建構什麼，也許聽起來有點天真，但我相信我們做得到。」

 

HR：你認為編舞家在當代所扮演的角色是？
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「而且我覺得編舞家的角色不只是一種身份，它可以是觀察者、哲學家、評論者、社會參與者，這些角色可以同時存在，我也儘量不去一概而論，因為我認為這世界最美的就是其多樣性。」

「我認為我們其實很幸運，可以用工作去實踐烏托邦這樣的理念 —— 在舞蹈室裡創造一種『我們一起完成了什麼』的感覺。」

「每個人的創作語言和思考方式都不同，我們應該珍惜這種每個人的不同，維持其多樣性。這樣不同的聲音才有機會傳達到觀眾面前。」

Photo by ©Stefanie Nash

HR：這次重新來到台灣演出這部十年前的作品，你有特別期待台灣觀眾能看到、感受到什麼嗎？
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「台北是我們亞洲唯一的合作夥伴，也是我們第三次來訪，感覺非常特別，能為台灣的觀眾帶來《再見狗日子》，我希望大家能好好享受這部作品，這將會是一個非常強烈、終生難忘的體驗。」

 

2025中國信託新舞臺藝術節 ✕ 兩廳院秋天藝術節
楊．馬騰斯《再見狗日子》

演出時間：2025 / 11 / 7 (五) – 2025 / 11 / 9 (日)

表演地點：國家戲劇院

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