FASHION TALKS

從 Dior 到 Disney,Daniel Arsham 為何成為當代最重要的藝術家之一?

因 2020 春夏和 Dior 合作而在時尚圈聲名大噪的藝術家 Daniel Arsham,其實過去早已是時尚界追捧的紅人,如 Louis Vuitton、COS、Calvin Klein、Kith 和 Hedi Slimane 時期的 Dior Homme,但他以往仍多以裝置藝術、建築等作品形式為品牌打造門市或秀場。直到遇見 Kim Jones,他開始真正地涉獵時尚單品的設計。(與 Kim Jones 合作之前的歷史可詳見下文十大真相,遇見 Kim Jones 之後的歷程,請見本文。

十大真相:Daniel Arsham / Snarkitecture

近期展覽毫不間斷的 Daniel Arsham,日前前腳才在邁阿密 Art Basel 展出,後腳便馬上登陸上海 INNERSECT 2019,帶來 Daniel Arsham x APPortfolio x Disney 三方聯名的米老鼠限量商品,並與 Highsnobiety 的編輯總監在活動現場對談,說明引發熱議的「Hollow Mickey」雕塑背後,究竟有何靈感來源。

Daniel Arsham 將親自從本次迪士尼的聯名系列,談到和保時捷合作的 992 跑車雕塑、與 Kim Jones 共事的細節,以及他和空山基於日本全新複合式展間的聯合展覽,一一細數近期其創作的心路歷程。

Highsnobiety Editorial Director (L) and Daniel Arsham (R), photo by Heaven Raven


 

什麼原因吸引你開始和各方品牌合作?
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Daniel Arsham:「你是指這次和 Disney 的聯名嗎?工作的關係,我常有機會接觸到各界文化的 Icon,但迪士尼、米老鼠原本是我盡可能不碰的,因為已有數不盡的藝術家曾演繹過如此經典的元素,我想不到自己還能做些什麼更獨特的事。」

Daniel Arsham 2018 年和迪士尼合作的《Mickey: The True Original》展覽作品

「直到兩年前,迪士尼公司找上我,為慶祝米老鼠 90 週年在紐約舉辦一個 showcase,問我能不能參與創作,當迪士尼真的來跟你洽談時,說真的你很難說不(笑),你懂的。後來迪士尼開放他們的歷史館藏讓我參考創作,我看了很多非常早期的卡通,Walt Disney 是個藝術家,原創許多早年的手繪卡通圖稿,如今已被大部分人遺忘了。」

「當時我看到一個 1936 年的舊卡通,名為《Through the Mirror》,帶有點《愛麗絲夢遊仙境》的感覺,米奇在該故事中穿越鏡子來到另一側的世界,那世界所有物品都是完全顛倒,所以原本的米奇便成了 Hollow Mickey(空心米奇)。」

DISNEY COLLECTION BY DANIEL ARSHAM X APPORTFOLIO

DISNEY COLLECTION BY DANIEL ARSHAM X APPORTFOLIO

Daniel Arsham 2018 年也曾製作 Hollow 系列的雕塑, photo via artsy


 

你擅長以未來主義的視角,利用混凝土、石膏等原料,重塑各式像球鞋、隨身聽這類具有時代意義的生活用品,但重製「米老鼠」與你過往的經驗有何不同呢?畢竟米老鼠就時間軸來看,似乎是「永久」(timeless)的代表。
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「我個人所認知的未來主義是,將一些過去生活中普及的事物,利用石膏、玻璃等材料重製後,呈現破損的樣貌,將其推向所謂『未來』。所以我們能跳出現在的時間流,重新觀看一個新的時空,就像你到未來數千年、數十萬年後考古一樣。」

Future Relic Complete Excavation set by Daniel Arsham

「為了創造一個特定的時間帶,我會尋找該時空最具代表性的物件創作,像 NBA 籃球、隨身聽、錄音機…..這些專屬於 2000 年代的事物,很明顯的,我認為米老鼠也具有類似的時代意義。」


 

最近你也和 Porsche 合作,那台 992 令人驚艷,和 Porsche 合作以及打造一輛跑車的感覺如何?
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「當我還是中學生的時候,有幾件事讓我深陷不已,Porche 911、球鞋還有建築,我從以前就一直是 Porsche 的粉絲。」

「剛好當時我有朋友在他們行銷團隊工作,但 Porsche 是個非常嚴謹、很標準的德國企業,所以當我主動向他們提出,是否有機會和他們合作時,被一口回絕了,門都沒有。後來我繼續嘗試向他們表示我的創作動機,終於說服 Porsche 讓我試著創作 992(以 911 為基礎的新款),你知道 911 的輪廓 60 年來幾乎沒有改變過,992 算是他們事隔數十年終於改造的新款車,所以有機會改到這台車,對我來說意義也相當重大。」


 

但這已不是你第一次嘗試創作車了對嗎?從單純的物品躍升到車子,我想你已經在改變藝術家的遊戲規則。
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「(車子)確實是不同等級了……我第一次改造車子的經驗是 1981 DeLorean DMC-12,原因就像我前面說的,我尋找的標的物要越有時代意義越好,所以 DeLorean 非常符合,它本來是對未來世界的寄望,但事實上是對未來『失敗』的預測,這公司現在已經倒了,不復存在了,可這輛車仍以一種優雅的方式存在,更仍是所有人心中『回到未來』的標誌。」

Daniel Arsham’s Eroded Delorean, 2018, photo via W Magazine

「可 DeLorean 這台車的細節太過繁雜、太廣,一開始真的不太知道該如何著手,這和 Porsche 最不同之處在於,Porsche 是還能開的、具功能性的,所以你必須不斷請教他們的工程師,了解整輛車的結構,以方便你重置它。兩者具有不同的複雜性,但我對自己的要求是所以細節都要確實比照真實的車。」


 

Dior 2020 春夏的大秀,也是你首次和 Kim Jones 共同設計時裝系列,對於不是用你平時熟悉的素材創作,或踏入一個你不甚熟悉的領域,有什麼挑戰嗎?
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「我從很早以前就是 Kim Jones 的粉絲,大概從他在 Louis Vuitton 開始。」

「作為一個藝術家,要完全踏進一個屬於別人的世界,對我來說是有點恐懼的,因為有些知識、有些專業是只有他們才懂的,所以我和 Dior 合作所做的第一件事,就是探索品牌經典歷史(archive)。不只了解所有經典服裝、單品的淵源,還必須了解品牌創辦人本身,像我當時才了解 Christian Dior 先生是個有趣的藝術家,他在步入時尚圈前,其實在畫廊工作過。」

「而我和 Kim Jones 合作的重點在於,他希望融合我擅長的素材,像石膏、水晶等,注入他的設計,成為可穿戴的單品,或是他的團隊會利用不同服裝原料打造出視覺上像石膏一般的服裝。我們的合作方式是,他會傳一些他設計好的服裝輪廓給我,我將這輪廓以我擅長的雕塑手法打造出來,再回傳給他。」

「大部分的物件都是可重製的,但以馬鞍包來說,一般的款式都是翻蓋的,就連上次和空山基合作的金屬馬鞍包也是可翻蓋的,可是石膏完全無法彎曲(一翻蓋石膏會碎掉),所以我們後來改成像打開膠囊的方式去製造。總之,這合作經驗對我來說是很可貴的,很少藝術家能和如此龐大、擁有這麼高級技藝的設計團隊合作。」


 

Dior 合作的過程當中,有什麼最令你印象深刻的嗎?
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「我覺得最有趣的一點是,你感受到 Dior 整個團隊組織的強大,像你必須很密切地和負責鞋子設計的人溝通,和 Ambush 的 Yoon 合作所有珠寶首飾,另一點很重要的是,Kim 對『每一件』單品投入的時間與程度。」

「我還記得,有次我們在秀前必須做整體的 review,將所有單品一一陳列出來,以便討論、調整細節,Kim 很仔細地檢視每件單品,當我提出自己不是很喜歡哪些單品的呈現時,他便直接把那些單品從桌上撤掉並說道:『我可以把這些撤下來,我們就不做這個了。』他就是很懂這些,Kim 對商品的敏銳度和精準度是整個團隊非常重要的一點。」

Backstage at Dior Men’s Spring 2020 photo via WWD


 

不只單品,你也創作了 Dior 的秀場設計,並融入該品牌的歷史背景,能和我們分享一下背後的靈感來源?
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https://www.instagram.com/p/By-KBwYgOTM/?igshid=lkuzoeff6yvm

「我們主要有三項重點元素:時鐘、電話、書,時鐘代表了 Christian Dior 的工作室,電話是他桌上的物品,書則代表他的自傳。」

「最重要的創作方向就是回溯 Christian Dior 先生的歷史,這整間時裝屋太多設計語彙來自他的人生、他曾經的設計,有時當品牌換上新的設計師後,設計師總急於展現自己的新方向,而忽略品牌的創始人或前人留下的遺產,Kim 不一樣,他非常堅持以 Christian Dior 的視角出發,就像剛出來的這雙 Jordan(Dior x Air Jordan),他選用的灰色調是完全和 1950 年代迪奧先生使用的顏色一模一樣,他堅持其設計必須完全忠於原始設計師的美學。」

https://www.instagram.com/p/B5oOexVg7VN/?igshid=17v94ttg2i3kz


 

談過你和眾多品牌的合作後,近期也有你和空山基的聯合展覽在東京 Parco 展出對嗎?
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「是的,在名為 2G 的空間,那是由 Poggy、NANZUKA 和 MEDICOM 共同經營的新複合式空間。」


 

和另一位藝術家合作的感覺如何?
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「我一直很欣賞空山基,自從我第一次到訪東京,NANZUKA 便介紹我們倆認識,直到兩年前我再次和他相遇時,他畫了一幅畫給了我驚喜,是兩隻手握在一起的畫像,像是我的石膏雕像和他的金屬機器人握著手的感覺,但僅有雙方的手臂留在畫中,當他展示給我看時,我馬上就說,這真的太美了,我們讓這幅畫成真吧。因此,這兩年間我們不斷在尋求融合彼此創作語彙的方式,畢竟雙方運用的素材相當不同,我們試著利用一種具象化表現,將各自的特質結合在一起。」

https://www.instagram.com/p/B5DWJ7BgBOD/?igshid=1hf3aw1uydpwl


 

過去我們曾和知名收藏家談到藝術(art)和藝術商品(art product)的區別,商品成了一種藝術家直接和受眾溝通的管道,你怎麼看待現代藝術家「出商品、量化」這件事?
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「我覺得可以回溯到安迪沃荷,他所打造的所有商品都是他藝術創作的一部分,他視其為藝術。所以基本上,『商品化』這件事已經不是新聞,藝術家除了有登上拍賣會的作品,也能夠成立自己的品牌、工作室,發展自己的商品,就算藝術家去世,這品牌仍能繼續運作,產出的商品仍保有藝術家的遺產價值不是嗎?」

「所以,我創作的商品,都是從生活中汲取靈感,再注入我創作的語彙所打造而成。」

photo by Heaven Raven