紐約大都會博物館直擊:川久保玲用白與時裝的藝術環境,讓你拋開對服裝的偏見

德國歌劇作家 Richard Wagner 在《未來的藝術》一文中曾提到:「藝術創作已邁入『總體藝術品(Gesamtkunstwerk)』時代,只有將視覺藝術、音樂、舞蹈、歌曲、詩、寫作、編劇、以及表演相結合,才能產生一種全面涵蓋人類感官系統的藝術經驗,也只有打破藝術領域間的界線,才有機會創作出最完整的藝術作品。」然而這個詞彙,無論是在 Dover Street Market、COMME des GARÇONS 的秀上,亦或是大都會博物館的主題時裝展,其五官所能感受到的,都是她的表達之一。

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《Rei Kawakubo / Comme des Garçons:Art of the In-Between》,其潔白展場的靈感來自《AnOther》總編輯 Susannah Frankel 1997 年曾對腫瘤系列的訪問(川久保玲拿了一支筆畫了一個圓,不發一語以此作為解釋),大都會時裝學院院長 Andrew Bolton 在近期接受《AnOther》雜誌訪問時認為:「我覺得這像是對 Susannah 的邀請,淨空她的刻板印象,不帶著任何偏見。在日文中這被稱為 Mu(意旨空白的想法)。」如此沉浸式的體驗,旨在促進個人參與展示的時尚。
 

「空間是她希望我去思考的第一步,第一個問題便是:我對未來的想法什麼?或是我怎麼看待未來?我們有著許多關於未來的對話,然後有了這一切。」— Andrew Bolton
 

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縱使不知所措或許是川久保玲的用意,可展覽中的數字標語倒提供了一條途徑,如連連看般,以紅色的集合為起點,反映了川久保玲在身體與之間的全神貫注,當然,觀賞者也可以自行建立其道路,作為自身的發現之旅。

1979年,川久保玲對自己的服裝系列產生了「不滿」,如她曾說過的:「我覺得我應該做更有方向性,更強大的東西…. 我決定從零開始,從無到有,以前沒有做過的事情,意念更強烈的事情。」此舉成舉世聞名的突破,似乎她的身份也等同於「原創 / 現代主義 / 設計師」,對新事物的追求,用時裝來表達概念特徵。(延伸閱讀:川久保玲,不滿是她前進的力量

對於為何始終心繫著川久保玲?Andrew Bolton 表示:「我認為很多時尚的觀點都被世人認為是理所當然,像是非對稱、解構或是未完成文化,許多都是 80 年代初期由川久保玲所帶起。某種程度上他幾乎改變了近 40 年的時尚歷史,縱使她已將近 75 歲,但依舊以前衛設計挑戰現在的設計,我認為部分是她大無畏精神和這些反感會帶給她靈感。」
 

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舉凡,〈High / Low〉檢視了精英與流行文化間的曖昧,這是她所呈現另一個現代主義的想法,透過「Motorbike Ballerina 系列」她將機車外套和芭蕾舞群結合(這是一件式單品),呈現了高級文化與街頭次文化的結合,「這就像哈雷摩托車戀上英國首席芭蕾舞者 Margot Fonteyn 一樣。」

對高級的布料排斥,川久保玲用塑膠材質打臉精英族群的偏見,縱使早期受到外界批評,可對川久保玲來說:「我一直喜歡龐克的精神,就意義上來說,這是正確的做事方式… 龐克反對阿諛奉承。」(延伸閱讀:川久保玲(Rei Kawakubo):十大真相

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打自 1983 年 Yves Saint Laurent 被 Diana Vreeland 帶進大都會時,相隔34年後,第二位在世的設計師來到 Met Gala,「因為有被媒體批評商業化的疑慮,這點成大都會並未再有以仍在世設計師的原因,可在 80 年代早期的偏見,藝術界媒體視時尚為商業,而非藝術品,但這點如今已有了顯著的變化。我覺得時尚這部分的比例已經改變,我的前任上司 Harold Koda 常說時裝學院就像花瓶,很多人約但卻不受尊重。….可自 80 年代早期開始,時尚文化變化很多,藉此舉辦川久保玲展變得更有說服力,加上川久保玲的作品存在著許多二分法,無論是藝術與時尚和東方與西方,這能讓作品中的藝術意涵更能讓觀眾解讀。」(延伸閱讀:Andrew Bolton《時尚惡魔的盛宴》和Met Gala的幕後推手
 

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從一個字或一個概念萌芽,「很多時候,系列的主題是在社會條件下的憤怒或感慨,一個想法的源頭是對已存在事物的不滿。」〈Birth / Marriage / Death〉生嫁死的哲學觀, 從「破碎的新娘」、「純白」和「喪禮」處處可見,若搭配當初秀的影片和音樂帶來的情感將更顯諷刺憂傷。


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她對「打破界限」的探索,從歷史深刻借鏡,模糊了文化、性別、年齡與女性身份的傳統定義,〈East / West〉和〈Male / Female〉當中的結合,當初難以形容的事物和創舉,當初的叛逆如今卻成了以酷行銷般的隨處可見,致使〈Object / Subject〉主題,從當初的經典腫瘤裝,到 2014 秋冬的「怪物」系列後,川久保玲放棄了以前的設計經驗,從一個天真的孩子或未經培訓的藝術家的角度創作,身體和時裝變得相互依存,無法區分,在這些設計中,她指出:「它們不是藝術,但也無需是衣服。」(延伸閱讀:川久保玲編年史,淺談她與Comme des Garçons人們所謂的前衛時尚
 

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這些行徑常被世人冠上「女性主義者」或是「鬥士」,可川久保玲說:「我沒有想讓我的設計成為給世界的訊息。」在她的設計生涯,「我的工作是在身體上設計衣服,但我從未受限於此。」身體與衣服是空間、過程和目的的解放,正如展覽主題所示,那是「Art of the in-between」。

p.s:「《Art of the In-Between》其名是一種邀請人們去忘記任何一種參考,用單純的視覺來看川久保玲的創作,這是一切的開始,川久保玲也認可這樣的解釋,她討厭人們太輕易去了解她的設計,也不喜歡對參訪者來說沒有足夠的挑戰,所以她給我的挑戰就是不要去參考過往任何的作品,因為這會影響作品主題的存在,而那便是透過『中間』得以實現。」— Andrew Bolton 
 

 

小趣聞:

Andrew Bolton:「美版《Vogue》總編 Anna 聽到川久保玲要參加晚宴時說會戴皇冠來她非常的興奮,因為川久保玲有一系列的皇冠(2006 春夏倫敦系列),但最後出現時她帶了一個塑膠的頭飾,這是川久保玲皇冠的版本。」
 

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參考資料:
AnOther Magazine

 

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